MUSIQUE
MoonCCat, Mirroirs Des Nuits Tragiques, 2015
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jeudi 25 juin 2015
dimanche 12 avril 2015
Articles à paraître sur La Gazette De Paris
J'aborderai dans mes prochains articles à paraître sur La Gazette De Paris les œuvres suivantes.
The Lilix And Didi Rock Band, Autre Chose A Faire Le Soir, Pédagosic, 2014.
Tiki Black , Out Of The Black, No Sugar Added (Nose) Records, 2013
Musique:
Little Girl, EP, LG Records, 2015. Article à paraître fin avril 2015.
Tiki Black , Out Of The Black, No Sugar Added (Nose) Records, 2013
Dirty South Crew dévoile le clip de "Tolérance"
En décembre dernier, nous vous annoncions la sortie du clip du titre Speed, morceau présent sur Wake Up, leur second album. Un clip qui nous donnait l’occasion d’entendre ce titre dans une version acoustique.
Les amiénois
poursuivent la promotion de leur album et reviennent cette fois-ci avec une mise
en image de leur chanson Tolérance. Un titre sur lequel nous étions revenus, à
l’occasion de la parution d’une critique de l’album sur notre site, et nous
ayant à l’époque inspiré le commentaire suivant :
Tolérance s’ouvre
ensuite sur une boucle de synthétiseur immédiatement suivi et appuyé par un
riff de guitare accrocheur. La prestation du batteur est sobre et efficace,
tout comme celle délivrée par le bassiste dont la note et le son rond ajoute au
groove sur ce titre faisant la part belle à un refrain dont l’efficacité est
ici égale à la simplicité. Le titre du morceau annonce la couleur quant au
contenu du texte, contenu au sein duquel l’actualité trouve un écho :
« J’ai fait le pari du savoir-vivre
ensemble, s’enrichir de nos différences et ne pas aller que vers ceux qui nous
ressembles/Je m’adresse au homophobes, je m’adresse aux xénophobes, à ce qui
pense que c’est dans le repli communautaire que l’on devient des hommes/[…] à
trop surfer sur une vague bleue marine/On finit par se noyer dans une flaque
d’urine/L’étroitesse de vos esprits vous condamne sans sursis à toute une
existence entre peur et ignorance. »
Un clip, et un message, qui, même indirectement, illustraient plutôt bien cette phase de Gilles
Perrault :
Le
tolérance, c’est la civilisation par excellence.
Voici le dernier clip de Dirty South Crew : « Tolérance », extrait du l'album « Wake up ».Cette vidéo est vôtre : c’est...
Posted by Dirty South Crew (D.S.C) on dimanche 12 avril 2015
mardi 21 octobre 2014
Critique musicale: Dakiniz bientôt dans La Gazette De Paris!
Après vous avoir donné un article consacré au Live At The Rainbow'74 de Queen, je vous proposerai très bientôt de découvrir Spontaneous Human Combustion With French Fries, le second maxi du trio Dakiniz qui nous vient de Paris et qui, surtout, nous offre une décoction de Noise Rock bien pure!
On se retrouve bientôt sur La Gazette De Paris!
X.F.
samedi 20 septembre 2014
Critique musicale: Fragile- Smile(s) 2014
Genèse
et mystère d’un projet
« Peu
importe d’où je viens…Les réponses sont dans les œuvres. »[1]
Cette première phrase, extraite
du communiqué de presse accompagnant la version promotionnelle de l’EP
Smile(s), pourrait d’emblée couper l’herbe sous le pied à qui tenterait de
coucher sur le papier les quelques grandes étapes ayant conduit à la formation
du groupe Fragile et à la réalisation de ce premier maxi cinq titres. En effet,
si la musique de Fragile se découvre désormais grâce à Smile(s), retracer son
parcours, en situer la genèse n’est, de prime abord, point aisé.
Basé à Bordeaux,
Fragile ne se laisse pas accoler la simple, et parfois réductrice, étiquette de
« groupe », se définissant plus volontiers comme projet musical et
participatif fruit de nombreuses et diverses collaborations porté par deux
musiciens : Mathieu Pittet et David Dupuy[2].
David lui-même, ne pouvant que rester évasif sur ce point, n’hésite pas à faire
remonter la genèse de ce qui sera plus tard connu sous le nom de Fragile à son
enfance, à cette époque des premières ébauches textuelles tapées à l’aide de la
machine à écrire maternelle et de la mise en musique de celles-ci avec le
concours d’un camarade guitariste[3].
Dans une entrevue avec
Luc Dehon pour le magazine Idolesmag, publiée le 2 juin 2014, David confie que
les premières véritables brides tangibles du projet datent surtout de début
2000, date des premières répétitions et maquettes, sans toutefois ni expérience
scénique ni professionnalisme. Fragile se résumait alors à des mots couchés sur
le papier. Sous sa forme actuelle le projet voit le jour entre 2008 et 2009[4], avant que quelques maquettes ne puissent être
découverte sur le web en 2012, via Bandcamp.
L’adjectif fragile
semble s’être imposé presque par hasard aux musiciens. Ceux- ci, n’ayant à un
moment donné aucun nom réellement adéquat pour leur projet, en vinrent à
choisir ce qui, à l’origine, était le nom d’une de leur composition[5]. Sur le sens à conférer à ce nom choisi, David
déclarais récemment dans nos colonnes :
« Fragile
est une réponse à l’insensibilité du monde qui nous entoure, tous les jours, il
est l’acceptation de choses que l’on se refuse de voir ou d’entendre et par ce
fait permet de passer des étapes supérieures. Je le vois plus comme un combat
vers une certaine « liberté. »
Musicalement
il y a une partie ou l’on peut assimiler les arrangements a quelque chose de
délicat peut-être, mais le contraire est aussi vrai avec des titres plus bruts
et directs. Il y a de l’ambivalence comme dans beaucoup de choses, il y a de la
force, surtout sur scène il me semble. »[6].
Smile(s) :
Débuts d’un projet aux facettes multiples
Smile(s), premier EP de Fragile, disponible depuis le 26 mai dernier,
et dont la version « Long Box », avec livret et traductions de
textes, sera disponible le 9 juin, renferme le travail de sept musiciens. David
Dupuy et Mathieu Pittet sont ici accompagnés de Clément Peyronnet, Robert
Johnson et trois musiciens travaillant ou ayant travaillés, entre autres, avec
le chanteur Cali : Julien Lebart, Blaise Margali et Nicolas Puisais[7].
L’enregistrement, dut à Fred Norget, Julien Lebart et Fragile a eu
lieu « aux quatre coins du Sud-Ouest », le mixage et lui l’œuvre
de Joe Barresi, qui s’est entre autres
illustré sur des productions du groupe Queen Of The Stone Age, dans l’enceinte
du Studio JHOC à Los Angeles en Californie et c’est enfin à Bordeaux, au studio
Globe Audio, qu’Alexis Bardinet s’est chargé du mastering du disque.
Lors de notre entretien, David Dupuy est revenu sur ces sessions
d’enregistrement, l’approche de ce travail en studio et sur les différences
d’approche musicale pouvant exister entre France et Etats-Unis. Il déclare
ainsi :
« Les sessions de recording se sont
faîtes avec Fred Norguet ainsi que Julien Lebart dans différents studios, à
Perpignan et à Bordeaux. Toutes les méthodes sont bonnes à prendre même si il
n’y a pas non plus un son qui tombe du ciel subitement, c’est à dire que, par
exemple, pour les guitares, nous avons enregistré dans de très bonnes
conditions dans une très belle cabine avec du gros matériel de studio. Il s’est
révélé que nous n’étions pas satisfaits du son qui manquait de présence et qui
n’était pas fidèle à ce qui sortait de nos amplis et de ce que l’on imaginait.
Nous avons décidé de refaire toutes les guitares à la maison, dans notre local
de répétition et dans une salle de concert ou nous avons des amis qui nous ont
ouvert leurs portes. Nous avions deux fois moins de moyens et au final les
prises sonnaient comme nous voulions, plus brutes et fidèles à notre vision de
départ.
Pour moi il n’y a pas vraiment de conception
différente sinon je crois que nous n’aurions pas pu mixer à Los Angeles, de
plus vous remarquerez que le chant Anglais n’est pas travaillé pour ressembler
à un Anglophone mais bien assumé avec un accent français pour garder la
cohérence des deux langues dans la couleur du disque.
Il y a je pense, plus, une vision du son
différente, un savoir-faire, et chaque pays et ingénieur du son à sa patte, sa
valeur ajoutée dans un projet, ce qui lui permet de faire progresser le projet
en lui-même. On dit souvent que le son est plus chaud sur la côte ouest des
États-Unis et plus froid sur la côte est, les conditions de vie, les us et
coutumes joueraient sur nos émotions et notre visions des choses. Je crois que
c’est vrai cela se ressent au final sur un mix. En France par exemple nous
aurions eu un mix plus précis, nous aurions entendu distinctement tous les
instruments mais cet avantage aurait eu l’inconvénient de ne pas pouvoir donner
de la personnalité et une couleur au projet, il n’y aurait pas eu de parti
pris, ce que Joe Barresi a fait pour nous, il a mis sa couleur sa patte de
manière très instinctive en mixant en direct sur une vieille console analogique
et il ne s’est fié qu’à son ressenti sur la musique. »[8]
Notre entretien nous a également permis d’aborder le corollaire du
pendant strictement musical de l’œuvre : Sa conception visuelle. Cette
dernière porte la griffe du photographe Laurent Seroussi, connu, entre autres,
pour son travail en collaboration avec Alain Bashung ou Mathieu Chédid, et voit
Jacob Dellacqua y prêter ses traits. Au sujet de cette collaboration
essentielle à l’existence du projet, David Dupuy révèle :
« Nous avons rencontré Laurent Seroussi
par hasard il y a quelques années. Il cherchait un bar en ville et ils étaient
tous fermés, il s’est retrouvé par hasard avec un ami au bar de la salle ou nous
jouions pour un tremplin, on leur a dit entrer voir les groupes c’est gratuit,
et si je reprends ses termes, il a poussé la porte et nous commencions à jouer
la première note, il a vu tout notre set et a été surpris car à l’époque nous
avions un chant batterie qui était lead. Il est venu nous voir à la fin en nous
disant j’aime beaucoup ce que vous faîtes et j’aimerais réaliser une pochette
pour vous un jour si ça vous dit. Nous ne savions pas qui il était et après
quelques échanges de mails notamment le premier ou nous lui avions demandé si
il avait déjà des travaux personnels à nous montrer, nous nous sommes vite
rendu compte de qui il était et que nous avions eu la chance de le rencontrer
par hasard, je me souviens avoir ouvert la boîte mail et être tombé sur la
pochette de Fantaisie militaire de Bashung ainsi que des pochettes de M mais
aussi ses travaux plus personnels. Pour le travail des visuels sur ce projet
Laurent a une vision très artistique et personnelle de notre musique et notre
musique s’intègre très naturellement dans ses propres créations, il n’y a pas
besoin de réfléchir à un concept, les réflexions qu’il propose dans ses œuvre,
les métaphores que l’on peut y voir sont aussi dans la musique de fragile,
c’est ce que l’on appelle une bonne rencontre. »[9]
Smile(s) :
Ambivalence musicale
Smile(s) renferme une
production globalement irréprochable. Est perceptible sur l’ensemble du disque
une très forte influence anglo-saxonne et américaine en particulier, le travail
de Joe Barresi mettant parfaitement en valeur la prédominance mélodique de la
musique du groupe Fragile. Aucun instrument ne se voit négligé et l’impression
globale d’équilibre ressentie à l’écoute du disque témoigne au mieux d’un
travail de production au sein duquel finesse et justesse ont su se conjugués. Un
travail propre et net qui ne pâtit nullement de la présence de deux langues
différentes, le français et l’anglais se côtoyant ici. Sur ce point, David
Dupuy a confié que cela révélait les influences diverses et plus ou moins lointaines qui sont celles des membres du groupe. Il
déclare ainsi :
« C’est
révélateur de nos influences qui s’étendent très loin mais aussi du hasard, le
hasard des compostions lorsque l’on est en improvisation sur son piano ou sa
guitare, les mots viennent suivant les mélodies et la musicalité, plus c’est
mélodique plus cela nous pousse vers l’anglais naturellement. […] De plus vous remarquerez que le chant Anglais
n’est pas travaillé pour ressembler à un Anglophone mais bien assumé avec un
accent français pour garder la cohérence des deux langues dans la couleur du
disque. »[10]
Smile(s) ouvre les hostilités, mais avec douceur, pourvut qu’est ce titre
éponyme d’une introduction où la voix se voit secondée par le seul piano sur un
tempo lent, ce qui d’emblée confère au morceau un ton tout aussi mélodique que
mélancolique. Des gimmicks de batterie et de guitare viennent toutefois
s’ajouter aux notes de piano, imprimant du même coup plus de vivacité au rythme général sur lequel se déroule le
morceau tout en mettant joliment en relief le refrain. Un premier titre qui
donne à découvrir un travail mélodique simple et accrocheur. Notons que ce
titre se verra accompagner d’un clip dont la sortie devrait avoir lieu le 9
juin 2014.
Either You Or Me démarre par une introduction guitare/voix
appuyée discrètement et plutôt joliment par des cordes jusqu’à la première
moitié du titre environ, avant que la six cordes électrique ne vienne parer
l’ensemble de plus de puissance, notamment à l’entame du premier refrain. Le
titre ce teinte ainsi instantanément d’une couleur et d’un son plus Rock, ce
que vient confirmer un gimmick de batterie bien présent mais nullement
écrasant. On appréciera également les incrustations de synthétiseur sur la coda
instrumentale du titre.
Au sujet de ce titre, David confiera avoir rêvé, il s’agirait d’un
songe :
« Un
morceau comme « Either you or me », c’est un rêve que j’ai fait une
nuit et que j’ai écrit très tôt le matin. À 9 heures, je crois. Généralement,
je compose plus tard. Mais là, je me suis mis au piano dès mon réveil. Et là,
j’ai juste rêvé de cette histoire. Beaucoup d’images sont venues dans ma
tête et ça a donné le morceau le lendemain matin. »[11]
Juste Un Instant est un morceau gorgé d’influences et
d’effluves Pop. Premier de trois titres écrits et chantés dans la langue de Molière,
son texte se révèle simple et accrocheur, les mots épousant parfaitement la
ligne mélodique du titre. L’assise mélodique est joliment assurée par de très
fines incrustations de guitare et de clavier. La batterie, bien que discrète,
se chargeant d’assurer une assise rythmique de même teneur.
Le titre Je reste œuvre lui
aussi dans la douceur mélodique. L’entame du titre se fait sur une introduction
en piano/voix, au sein de laquelle la douceur des notes du piano contraste
d’emblée avec l’énergie vocale au ton plaintif, le tout se déroulant sur un
rythme lent, où le silence, même furtivement, trouve place, avant qu’une nappe
de synthétiseur et le piano ne crées une jolie atmosphère pour conclure ce
titre efficace.
L’Extended Play se clôt sur le rythme rapide et les riffs de guitare
saturés et très Rock du morceau Tuer Le
Temps. Le gimmick de batterie est lui aussi très présent et puissant dès
l’entame de ce titre dont le rythme ne retombe pas. Un titre résolument Rock,
bref et efficace, auquel le live, et
l’énergie qui l’accompagne, saura donner plus d’envergure encore.
Enfin notons que sera disponible à la rentrée un sixième titre nommé Je cours. De la place est d’ailleurs
prévue pour ce dernier sur le Long Box.
« Fragile est une réponse à l’insensibilité
du monde qui nous entoure,
Tous
les jours, il est l’acceptation de choses que l’on se refuse de voir ou
d’entendre
Et par
ce fait permet de passer des étapes supérieures.
Je le
vois plus comme un combat vers une certaine « liberté ».
David Dupuy
*****
Avec Smile(s) les bordelais de Fragile se signalent en nous proposant
de découvrir un univers tant musical que visuel. « Clair-obscur
photographique » se mêlant à une musique Pop-Rock mélodique aux
incrustations de Chanson et de Poésie, ou inversement. Là se trouve une sorte
d’ambivalence musicale assumée, le coté mélodique et mélancolique de la Pop
trouvant son contrepoint parfait dans
une veine se voulant plus Rock et rageuse, sans toutefois céder au déséquilibre.
Ce premier effort discographique qui, souhaitons-le vivement, est prélude à un
premier LP à venir, est paré des atouts de la séduction qui siéront à tout
amateur de Pop/Rock et de Chanson. Ce disque bénéficie également d’un travail
de production très bien réalisé et se voit accompagné à propos par le travail
de Laurent Séroussi qui apporte incontestablement sa pierre à l’édifice plutôt
prometteur et solide que semble être
Fragile.
Liste des titres :
1.
Smile(s)
2.
Either
You Or Me
3.
Juste Un
Instant
4.
Je Reste
5.
Tuer Le
Temps
6.
Je Cours
(à paraitre)
Fragile, Smile(s), Handle
With Care, 2014.
Xavier Fluet
Publié le : 09/06/2014 par La Gazette De Paris.
[1] Fragile- Smile(s), Communiqué de presse.
[2] « Quelques mots avec Fragile »,
Uni-Son, 22/05/2014. Lien : http://unis-son.com/2014/05/22/quelques-mots-avec-fragile/
[3] Luc Dehon, « Interview de Fragile», Idolesmag, 02/06/2014. Lien :
http://www.idolesmag.com/interview-510-Fragile.html/
[4] Ibid.
[5] « Interview de Fragile», Radio Bouton, 05/2014. Lien : http://radio-bouton.org/2014/05/fragile-linterview/
[6]Xavier Fluet, «
Fragile : Fragile ? Un combat vers une certaine
liberté ! », La Gazette De
Paris, 02/06/2014. Lien : http://gazetteparis.fr/2014/06/02/musique-fragile-un-combat-vers-une-certaine-liberte/
[7] Cf. Note 1.
[8] Cf. Note 6.
[9] Ibid.
[11] Cf. Note 3.
mercredi 2 juillet 2014
lundi 7 avril 2014
Critique Musicale: Lady Linn - High (2014)
Flashback :
Des débuts à la renommée nationale
C’est le 27 avril 1981
à Gand (dans le district de Sint-Amandsberg plus précisément), dans la région
néerlandophone du Plat Pays, que Lien De Greef, future Lady Linn, voit le jour.
La jeune fille tombera dans la marmite huit ans plus tard et débutera son
apprentissage musical par celui du piano, de là naitra sa volonté de devenir
pianiste. À l’âge de quinze ans se sont ses capacités vocales qui commenceront
à être exploitées, Lien profitant de son intégration au sein d’un tout jeune
groupe de Rock, fondé par des amis, pour
prendre place, en plus de son rôle de claviériste, derrière le micro. Très vite
la demoiselle se découvrira meilleure dans le rôle de vocaliste plutôt que dans
celui de pianiste[1].
Ces premiers pas dans
le monde musical se concrétiseront un peu plus tard, à l’âge de 18 ans, par une poursuite d’études au conservatoire de
Gand pour une période d’environ cinq ans. Cinq années qui permettront à la
jeune femme de se familiariser avec le chant, la musique et la composition
propres au Jazz, sa source d’inspiration et influence majeure.
L’année 2004 marquera
la sortie du conservatoire et le début d’une collaboration nouvelle pour Lien,
celle d’avec le groupe de Pop Bolchi,
emmené par Jeroen De Pessemier. A cette même époque, les prémices d’un nouveau
projet centré sur le Jazz, qui très vite deviendra connu sous le nom de Lady
Linn And Her Magnificient Seven, se mettent en place. Ce projet résulte de la
volonté de Lien de fonder autour d’elle un groupe de Swing Jazz après cinq ans
passés à chanter et jouer du Swing Jazz au conservatoire. Entourée d’amis et de
musiciens qu’elle apprécie, elle parvient à former son propre groupe, qu’elle
qualifie elle-même de « petit Big Band », et joue une musique
fortement inspirée de celle ayant parcourue les années 30 et 40. S’ensuivra
ensuite le quasi-indispensable passage par la case « reprises », pour
une durée de quatre ans, avant que Lien ne se mette finalement à composer ses
propres titres[2].
Dans un entretien
accordé à Cécile Duclos pour le site La Toile De Pandore, publié le 4 avril
2012, De Greef définira le son et le style musical de Lady Linn And Her
Magnificient Seven de la façon suivante :
Pour
moi, c'est un mix, ce n'est pas un style. Les chansons sont plutôt romantiques, je trouve, et positives ! C'est
acoustique, organique. Et puis c'est pop, bien sûr, et il y a sans doute des
influences soul, jazz mais aussi country et bossa ».[3]
Le travail de
composition et d’écriture du petit Big Band belge se concrétise en 2008 avec la
sortie de Here We Go Again, leur premier effort discographique, qui se veut un
disque de Jazz, tant sur la forme que sur le fond, les musiciens ayant
pleinement, et certainement, voulu digérer les quelques années passées à jouer
du Swing Jazz. De cet album on retient avant tout la vivacité des rythmes
divers, les compositions enjouées, une voix au grain reconnaissable, maitrisée
et affirmée et une prédominance des sections de cuivres misent en valeur par
des arrangements conçus sur mesure. Lien confira d’ailleurs qu’à l’époque il lui
semblait avoir écrit ses morceaux en premier lieu pour les cuivres et dans un
seul et unique style : Celui des Big Bands[4]
Toute considération
purement stylistique mise à part, Here We Go Again sera couronné de succès et
permettra au groupe Lady Linn And Her
Magnificient Seven de décrocher leurs premières récompenses nationales
significatives : 2 MIA[5]
dans les catégories « Meilleure interprète féminine » et « Meilleur album pop
». Here We Go Again sera en outre disque de platine en Belgique et sortira chez
nous l’année suivante[6].
Ces débuts très prometteurs
et plutôt remarqués seront suivis par la parution, en 2011, de No Goodbye At
All, second opus de Lady Linn And Her
Magnificient Seven. Cet opus, en plus de marquer une évolution certaine dans le
style du groupe, voit celui-ci entamer une collaboration avec le producteur
Renaud Létang qui lui a par le passé œuvré sur les disques de Manu Chao, Feist,
Émilie Simon, Clémence Lhomme, Gonzales, Alain Souchon, Juliette, Abdel Malik,
Jane Birkin ou Mathieu Boogaerts entre autres.
La collaboration avec
ce producteur s’accompagne d’une nouvelle direction artistique, No Goodbye At
All offrant cette fois à l’auditeur, tout en restant encré dans l’univers du
Jazz, univers dans lequel les cuivres ne sont nullement négligés, une palette
de sons lorgnant désormais vers la Pop. Ce changement notable n’a en rien
émoussé les qualités entrevues sur le premier album et la voix de Lien se voit
parfaitement mise en valeur dans toute cette jouerie Jazz aux contours mâtinés
de Pop, la production de l’ensemble assurant un équilibre parfait au disque,
aux titre le composant, faisant du même
coup de celui-ci un bel écrin. Cette sortie a permis à Lady Linn de toucher un
public plus large au-delà des frontières de la seule musique Jazz.
Lien confira, au sujet
de l’enregistrement de ce second album, que les titres qu’il renferme furent
écrits de manière plus directe que par le passé et sans prise en compte des
futurs arrangements qui viendraient nécessairement garnir ces compositions
nouvelles. La création s’est donc voulue plus libre. Cette nouvelle façon
d’appréhender la composition s’est également traduite sur le laps de temps
nécessaire à l’enregistrement et au mixage du disque, l’ensemble ayant été
finalisé en une quinzaine de jours à peine[7].
De tout ce travail
ressort un disque mêlant sonorités Jazz, Pop et effluves de Soul nimbées d’un
son se voulant à la fois calibré et plus direct. No Goodbye At
All peut être perçu comme une « suite logique » à Here We Go Again de
la part de Lady Linn And Her Magnificient Seven, une suite permettant à la fois
au groupe de consolider les attentes placées en eux suite à la sortie de leur
premier opus (le Jazz et le Swing étant eux toujours présents) et de s’ouvrir,
de séduire un public plus large, le coté Pop plus accentué de cette collection
de nouveau titres offrant désormais un plus large audimat. Si l’on se place de ce
point de vue, Lady Linn And Her Magnificient Seven n’a pas loupé
le coche avec ce second opus, opus qui, en France, est sorti le 19 mars 2012.
Cette sortie sera suivie d’une assez belle carrière hexagonale pour ce disque,
permettant à Lien et son groupe de gagner en visibilité sur les scènes et
chaines de télévision françaises. Manifestement très inspirée à l’époque, Lien
confia même, lors de la promotion de No Goodbye At All, être déjà en train
d’œuvrer à la composition de ce qui devait être son troisième opus[8],
opus sur lequel nous allons désormais nous pencher plus avant.
High :
évolution et prise de risques ?
Après les succès
successifs de ses prédécesseurs, il va sans dire que ce qui devait être le
troisième opus de Lady Linn était pour le moins attendu. Le fonctionnement de
l’industrie musicale l’a mainte fois démontré : nombreux sont les jeunes
groupes à ne pas réussir ce que l’on serait tenté d’appeler « la
passe de trois », la sortie d’un troisième opus étant souvent révélateur
du devenir du groupe en question. Souvent le premier album fait office de
révélateur, le second confirme ou non le potentiel véritable du groupe et le
troisième, si la réussite est au rendez-vous, fait en quelque sorte office de
pierre angulaire dans la discographie et offre
ou non au groupe une place à défendre dans le paysage musical pour les
années à venir. A ce quitte ou double, souvent l’audace paye.
D’audace Linn et son
groupe ne semble pas en avoir manqué et ne pas avoir non plus hésité à prendre
l’adage au mot. En effet La chanteuse a confié dans nos colonnes percevoir la
sortie de ce troisième album comme une étape majeure dans sa carrière :
Celle qui lui permettrait de se défaire de cette étiquette de chanteuse
« rétro » qui semble lui avoir été accolée[9].
Sur cet album la vocaliste de Jazz assume pleinement son attrait pour la
musique House et l’influence qu’a pu avoir sur ses nouvelles compositions son
implication au sein du projet parallèle FCL, groupe pour lequel Linn mets sa
voix aux services de classiques de la House et de la musique noire
nord-américaine. Cette expérience sera qualifiée de « libératoire »
et aura également pour effet de désinhiber la jeune femme à l’entame du
processus d’écriture des titres qui devaient composer l’album qui nous occupe
ici.
L’écriture des titres
s’est elle aussi accompagnée de quelques changements notables, Linn ressentant
le besoin de délaisser quelque peu son piano au profit d’une six cordes durant
l’élaboration des premières démos. Une fois ces démos prêtes celles-ci furent
confiées aux bons soins du guitariste Bruno De Groote qui se chargea des
arrangements guitaristiques de chacune d’elles. Tout ce travail échoua
finalement entre les mains (et les oreilles) du producteur Renaud Létang qui
s’occupa par la suite d’octroyer à chacune des pistes les beats et tempos
adéquats pour l’enregistrement final et édifia du même coup la base sur
laquelle chacun des musiciens viendrait par la suite enregistrer sa partie en
studio.
Cette phase de la production transforma
parfois radicalement certains titres, à une ballade pouvait succéder un morceau
up-tempo par exemple…Voilà en tout cas qui semble témoigner de la fécondité du
travail accompli et mettre en exergue le rôle prépondérant joué par Létang dans
la conception finale de ce disque.
C’est en tout cas bel
et bien à ce dernier que nous devons sur ce disque la présence d’éléments
sonores propre à la Disco, la House ou la Dance, de telle sorte que, selon ce
que nous a confié Lady Linn, le son que
renferme High est vraiment la résultante du travail conjoint des musiciens et
Renaud Létang, ayant vraiment su mettre à profit la liberté qui leur étaient
donnée sur cet enregistrement[10].
Combiner cette fois la
musique Pop aux influences Disco, House, Soul, R&B, Reggae, Gospel et Folk
pour mieux laisser de côté le Swing Jazz des années 40, ce pari pouvait sembler
risquer, c’est pourtant celui que toute l’équipe à tenter de relever en sortant
High !
Une
collection de chansons « honnêtes et fraiches »
High sera dans les bacs
dès le 31 mars prochain. La production du disque est irréprochable, le son est
à la fois « carré » et « calibré ». On ne décèlera pas
d’esbroufe ou un quelconque défaut de
surproduction : Chaque ligne instrumentale est propre et peaufinée, aucun
instrument ne se voit négligé au profit d’un autre non plus. La voix très Soul
de Linn est, elle vraiment mise en avant sur toute la longueur de l’album. En
plus du son, c’est là un premier vecteur d’unicité pour ce disque.
De jolis accords de
guitare acoustique introduisent Regret,
plage titulaire et premier simple extrait de cet opus, avant de soutenir la
voix de Linn qui d’entrée est parfaitement mise en avant et en valeur. Le titre
recèle une agréable mélodie et est très efficacement soutenu en son milieu par
un gimmick de batterie plutôt discret. Un titre bref et une entrée en matières
très légerement tentée de Folk efficace.
High
arrive ensuite. Ce titre, qui fut le premier à être enregistré en studio et est
directement inspiré par Le soulman Charles Bradley, est un up-tempo efficace
pourvu d’un beat synthétique et de riffs
guitaristiques légèrement saturés et énergiques auxquels vient se plaquer La
voix mixée en avant. La ligne de basse est ronde et très présente. L’utilisation
faites d’overdubs et la présence d’une nappe de synthétiseur en conclusion du
morceau accentue son côté très Disco.
Avec Build
Up c’est sur une boucle de synthétiseur et de boite à rythme minimaliste,
mais au demeurant efficace, que vient se lover la voix chaude de Linn qui, dans
ce phrasé plaintif, se part d’accents proches du Gospel. Ce titre est lent, sa
ligne de basse massive et son écoute attentive laisse percevoir de discrètes
racines jazzy à cette ballade mélodique.
Un gimmick de clavier
et une rythmique efficace mais non envahissante servent de cadre au crêpage de
chignon dépeint dans le titre Sassy.
Après le Gospel c’est au R’n’B des années 90 que Linn empreinte quelques
accents du plus bel effet.
Nous avons ensuite
droit au titre The Beat, pièce
centrale et à la fois la plus longue du disque. Cette position au sein de ce
recueil de chanson ne tient selon nous pas d’un complet hasard. Très rythmé, ce
titre semble plutôt assez représentatif du travail de Renaud Létang. Un refrain
profondément Pop et très efficace cohabite judicieusement avec un beat de
synthétiseur, une boucle de boite à rythme, une excellente ligne de basse pour
un rendu très carré et propre de l’ensemble.
Une rythmique à la fois
lente et massive soutenue par des accords de guitares minimalistes servant
d’écrin à la voix, ce sont là les composantes de la chanson Remember.
C’est d’une rythmique
emplit d’effluves Jazz dont est doté le titre Drive. Un titre qui, sur un tempo modéré, nous délivre un son Pop
et enjoué pour un joli moment.
Never
donne ensuite à entendre une ligne de basse massive, un gimmick de piano
accrocheur et des percussions aussi discrètes qu’efficaces à l’édification de
l’écrin sonore dans lequel une voix aux accents Soul et R’n’B se déploie au
long de cette ballade.
Le titre Back arrive ensuite, paré de ses accords
de guitare électrique, secondé par un gimmick légèrement plus abrasif et une
rythmique « carrée », cette dernière n’étant nullement envahissante.
Le chant redevient prioritairement jazzy et se place très à propos dans
l’ensemble. La présence, ici plus marquée, de la section de cuivre rappellera
aux auditeurs de longue date les précédents enregistrements. Ce titre est en
lui-même un mélange d’influences diverses réussi!
L’opus se clôt avec le
très beau Feeling Me, un morceau que
Linn a confié avoir enregistré pour la toute première fois de façon a capella à
l’aide de son répondeur avant d’en finaliser une version dance et énergique,
pour finalement décider d’en revenir à la version « messagerie »
originelle. Un moment de piano/voix que l’on pourrait apprécier comme étant une
véritable tangente opérée par l’artiste au regard des albums précédents et qui
suffira à convaincre une fois pour toutes des qualités vocales remarquables que
possède Linn (et qui, par la même occasion, devrait permettre de faire cesser
certaines comparaisons avec d’autres chanteuses, que nous jugeons parfois trop
hâtives…) Un moment dépouillé pour une conclusion se faisant sur une note de
douceur.
« Suddenly
I feel So free
I
say goodbye to all my worries
Taken
over by
By
this energy
Wich
I didn’t know that I had inside of me »
*****
Entre les deux pôles
plutôt acoustiques que sont les titres
Regret et Feeling Me Lady Linn et
son groupe ont su nous donner à entendre une nouvelle facette de leur
savoir-faire, auquel s’ajoute celui, indispensable, de leur producteur Renaud
Létang à leurs côtés pour la seconde fois. Ce troisième opus aura de quoi
surprendre, décontenancer même, les amateurs de Jazz ayant particulièrement appréciés
Here We Go Again et No Goodbye At All. Avec High, place est ici faite à une
plus grande spontanéité, les musiciens se libèrent des contraintes et carcans
du genre dans lequel ils œuvrés par le passé, ils expérimentent aussi bien
plus. En d’autres termes, ils ont su prendre des risques, notamment celui de
déplaire à une certaine frange de leur public déjà acquis, pour relever le défi
du troisième album et faire ainsi « la passe de trois ». Cela s’est fait dans l’ornière d’une musique
certes plus « mainstream » et commerciale mais ce groupe ne s’est en
aucun cas déparé de ce qui fait son originalité. Cette nouvelle direction
artistique séduira à n’en pas douter un grand nombre d’auditeurs. Et ils
possèdent de toute façon bien assez d’atout pour que le successeur de High
renferme les mêmes qualités…
En attendant, on
appréciera cet audacieux melting-pot d’influences aussi diverses que variées et
concentrées en un disque pour le moins appréciable !
Liste des titres :
1.
Regret
2.
High
3.
Build Up
4.
Sassy
5.
The Beat
6.
Remember
7.
Drive
8.
Never
9.
Back
10.
Feeling Me
Lady Linn, High, Universal Music France
Xavier Fluet @GazetteDeParis
[1]
Xavier Fluet, « Lady
Linn : « High ? Des chansons pop honnêtes et fraiches ! », La Gazette De Paris, 19/03/2014. Lien : http://gazetteparis.fr/2014/03/19/musique-lady-linn-high-des-chansons-pop-honnetes-et-fraiches/
[2]
Cécile Duclos, « Interview
de Lady Linn, une drama queen inspirée », La Toile De Pandore, 04/04/2012. Lien : http://www.latoiledepandore.fr/2012/04/interview-de-lady-linn-une-drama-queen.html
[3]
Ibid.
[6]
Id. Cf. note 2
[8]
Id.
[9] Cf.
Note 1
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